Музыкальные формы классицизма

[I]Настало время начать писать шапку к треду
Поэтому запощу пасту[/I]

[B]Музыкальные формы классицизма[/B]
Музыкальными формами называют исторически сложившиеся типы строения музыкальных произведений. Наиболее устойчивыми оказались те из них, которые были самыми гибкими и емкими, то есть лучше всего подходили для передачи разнообразного содержания, а также хорошо согласовались с законами слухового восприятия и исполнения.

Согласно [I]The Oxford Companion to Music[/I], европейская классическая музыка содержит всего шесть самостоятельных форм: двухчастную, трехчастную, рондо, вариационную, фугу и сонатную форму. При этом фуга и сонатная форма являются не столько формами, сколько техниками сочинения.

[B]Двухчастная форма[/B]

Наименьшей законченной композиционной структурой, выражающей более или менее завершенную музыкальную мысль, является [B]период[/B], состоящий как правило из 4-12 тактов . Он может быть разбит еще мельче, но в рамках данной статьи этого не требуется.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=vGq3-Fi_zQY (с 0:07 по 0:41)

Следующей по сложности после периода является [B]двухчастная форма[/B], состоящая из двух частей, первая из которых является периодом, а вторая - формой не более сложной чем период. Она имеет корни в народной музыке. Куплет народной песни часто состоял из запева и контрастирующего припева - повторение двухчастных куплетов более интересно на слух, чем повторение одночастных.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=gVjWsy1mUPQ (с 0:05 по 0:54)

Функции второй части могут быть различны: контраст, оттеняющий первую часть; развитие мысли первой части; подытоживание мысли первой части, характерное для припева. Область применения двухчастных форм очень широка. Она типична для танцев и песен, может являться частью более крупных структур, например, сонатной формы.

[B]Трехчастная форма[/B]

Форма, состоящая из [B]трёх[/B] частей, первая из которых является периодом, вторая - неустойчивым построением либо также периодом, а третья — точным или незначительно изменённым повторением первой. Части простой трёхчастной формы называются соответственно [B]экспозицией[/B], [B]серединой[/B] и [B]репризой[/B]. Ее схема выглядит так: [B]А-В-А[/B].

Средняя часть может, например, создавать оттеняющий контраст, однако чаще она развивает идеи первой части. В этом случае для середины характерна меньшая тональная устойчивость и структурная оформленность, чем для крайних частей: она как бы опирается на более устойчивые экспозицию и репризу. Примером является, например, [I]ария да капо[/I].
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=CYTQ6gpcuYA (с 0:35)

Примером сложной трехчастной формы является [B]менуэт-и-трио[/B], состоящий из двух одинаковых [I]менуэтов[/I], между которыми помещается отдельный эпизод - [I]трио[/I]. При этом по отдельности менуэт и трио имеют характерную для танцев двухчастную структуру, поэтому общая структура менуэта-и-трио двухчастная на мелком уровне и трехчастная на более высоком: [B]aabb - ccdd - aabb[/B].
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=JESXMWrwzVQ

Реприза, то есть повторение начального музыкального материала после его развития или изложения нового, часто используется и в некоторых двухчастных формах (так называемых репризных двухчастных формах), когда последнее предложение второго периода повторяет второе предложение первого периода.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=jYiXyZwgPB8 (с 0:05 по 0:25)

Реприза может быть точной копией экспозиции, однако в более развитом случае тема возвращается в репризе немного измененная в результате предшествующей разработки, являясь "синтезом" экспозиции и разработки.

[B]Рондо[/B]

Форма, в основе которой лежит чередование неоднократно повторяющейся главной темы с различными эпизодами. Имеет схему [B]А-B-C-A-D-A-...-A[/B]. Эта форма также характерна для народной музыки. В народных песнях, построенных по принципу рондо, общий хор повторяет главный рефрен, который чередуется с эпизодами, в которых выступают солисты. Этот же принцип, использовался, например, в быстрых частях [I]кончерто гроссо[/I] эпохи [I]барокко[/I]: солирующие партии сменялись проведением главной темы полным оркестром.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=8_7ekHPzQNE

В [I]классическую[/I] эпоху форма рондо соединилась с сонатной формой, дав в результате форму [B]рондо-сонаты[/B], о которой будет написано ниже.

Мы уже упомянули несколько способов соединения однотипных структур в более длинные "цепочки":

[B]А-А-А-А-А..-А[/B] - куплетная форма с [B]одночастным[/B] куплетом.
[B]АВ-АВ-АВ-..-АВ[/B] - куплетная форма с [B]двухчастным[/B] куплетом.
[B]А-В-А-С-А-..-А[/B] - [B]рондо[/B].
[B]А-В-С-D-E-...[/B] - цепочечная форма без повторений. Встречается довольно редко - например, в некоторых оперных [I]увертюрах[/I], которые представляют собой последовательность фрагментов предстоящего произведения.

Одной из наиболее распространенных цепочечных форм является [B]вариационная[/B] форма, имеющая схему [B]А1-А2-А3-...[/B]

[B]Вариационная форма[/B]

Форма, состоящая из первоначального изложения [B]темы[/B] и ряда ее видоизмененных повторений. Тема может иметь как простую, так и более сложную (например, двухчастную или трехчастную) форму. Изменения могут затрагивать [I]гармонию[/I], [I]мелодию[/I], [I]контрапункт[/I], [I]ритм[/I], [I]тембр[/I], [I]оркестровку[/I] или комбинацию этих элементов. Характерными примерами вариационной формы являются [I]пассакалия[/I] и [I]чакона[/I] эпохи барокко, в которых оставался неизменным бас, а изменялись с каждым повторением верхние голоса.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=nVoFLM_BDgs (до 8:10)

Вариационная форма очень типична для традиционной культуры: в ней существует неизменная основа, которая при этом претерпевает косметические изменения с каждым повторением. Она популярна в народной музыке: так, в куплетной форме и в форме рондо часто главная тема возвращалась в немного измененном виде. С помощью многократного повторения главной темы (то есть с помощью куплетной формы) обеспечивалось ее запоминание на слух и таким образом сохранение традиции при отсутствии нотной записи.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=CH2zlb1pwds

Как видно, каждая из перечисленных форм по-разному использует [B]повторение[/B] и [B]изменение[/B] - два главных принципа, по которым образуются формы. Музыковед Перси Шулз определяет музыкальную форму как "серию стратегий, направленных на достижение баланса между противоположными крайностями постоянного повторения и постоянного изменения". Отечественный музыковед Л. А. Мазель добавляет к принципам формообразования [B]разработку[/B], [B]сопоставление[/B] разных музыкальных мыслей, свободное [B]развертывание[/B] и [B]репризность[/B]. Оставим эти термины без разъяснения, отметим только, что этих принципов немного и они опираются на особенности человеческого восприятия.

Благодаря следованию этим принципам описанные выше формы достаточно универсальны. Как было показано, они присутствуют в том или ином виде и в народной, и в классической музыке. Дальше будут описаны две композиторские техники, характерные именно для академической музыки, воплощающие два разных типа музыкального мышления. [B]Фуга[/B] стала вершиной [I]полифонической[/I] музыки [I]17 века[/I], вобрав в себя ее лучшие практики. [B]Сонатная форма[/B], сложившаяся в [I]18 веке[/I], соответственно является вершиной [B]гомофонной[/B] музыки.

[B]Фуга[/B]

[B]Полифоническое[/B] произведение, начинающееся последовательным вступлением всех голосов с изложением [B]темы[/B] - попеременно в [B]главной[/B] и [B]побочной[/B] (как правило [I]доминантовой[/I]) [B]тональностях[/B]. Дальнейшее [I]развитие[/I] содержит еще некоторое количество [I]проведений[/I] темы, преимущественно в других тональностях, и завершается в главной тональности посредством одного или нескольких проведений темы.

[I]На первом пике пример структуры трехголосной фуги. В каждый момент  произведения звучит тема фуги (S или A) - иногда в неосновной тональности или измененная, остальные голоса сопровождают ее по правилам контрапункта.[/I]
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=Nnuq9PXbywA (с 2:30)

Черты фуги: [B]полифония[/B], использование одной [B]темы[/B] и одного [B]настроения[/B] (хотя [I]противопоставление[/I] и [I]контраст[/I] также присутствует в фуге, но он строится на материале одной темы), [B]непрерывность[/B] и [B]плавность[/B] развития, отсутствие резких контрастов.

[B]Сонатная форма[/B]

Музыкальная форма, состоящая из [I]трёх[/I] разделов, где в первом разделе ([I]экспозиции[/I]) противопоставляются [I]главная[/I] и [I]побочная[/I] партии, во втором ([I]разработке[/I]) эти темы развиваются, в третьем ([I]репризе[/I]) повторяется экспозиция с тональными (и, возможно, иными) [I]изменениями[/I].

[I]На втором пике обобщенная схема сонатной формы. ГП — главная партия, ПП — побочная партия, СП — связующая партия, ЗП — заключительная партия; в квадратные скобки заключены разделы, которые в различных вариантах формы могут отсутствовать.[/I]

Идеей сонатной формы является [B]борьба[/B] двух контрастных тем. Они демонстрируются в экспозиции, затем "борются" в отделе разработки и возвращаются в репризе, измененные в результате "борьбы". Эта форма оказалась с одной стороны гибкой и подходящей для выражения разнообразного содержания, и с другой стороны, стройной и устойчивой. Благодаря этому она остается популярной по сей день.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=Y0kiO3RixrI

Черты сонатной формы: [B]гомофонность[/B], использование [B]двух и более[/B] контрастных тем, большая внутренняя [B]конфликтность[/B] и [B]динамика[/B] развития, идейная важность раздела [B]разработки[/B], устремленность к [B]финалу[/B].

В упомянутой выше [B]рондо-сонате[/B] по принципу рондо строятся разделы экспозиции и репризы, в то время как раздел разработки тот же, что в обычной сонатной форме. Она имеет схему [B]aba - C - aba[/B].

[B]Циклические формы[/B]

Циклической называется форма, состоящая из [B]нескольких[/B] самостоятельных произведений, объединенных общим замыслом. Характерным примером 17 века является барочная [B]сюита[/B], 18 века - [B]сонатно-симфонический цикл[/B].

[B]Барочная сюита[/B]

Набор танцев - [B]алеманда[/B], [B]куранта[/B], [B]сарабанда[/B], [B]жига[/B] и иногда другие. Принципами, по которыми они соединялись в сюите, были контраст соседних танцев и их тональная близость.
Пример: https://www.youtube.com/watch?v=mGQLXRTl3Z0 (1. Prelude - 0:00 2. Allermande - 2:45 3. Courante - 7:09 4. Sarabande - 9:47 5. Menuet I / II - 13:41 6. Gigue - 17:38)

[B]Сонатно-симфонический цикл[/B]

Если части барочной сюиты слабо связаны идейно, сонатно-симфонический цикл, появившийся 18 веке, характеризуется большим идейным единством - каждая его часть раскрывает определенную сторону целого. Классический сонатно-симфонический цикл состоит из трех или четырех частей, хотя возможно и другое их количество, и характеризуется сбалансированностью и симметрией: так, первая и последняя части как правило пишутся в быстром темпе, а "внутренние" - в медленном. Первая часть почти всегда пишется в сонатной форме в темпе [I]allegro[/I].

В зависимости от состава, для которого пишется цикл, различаются следующие его разновидности:

[B]Соната[/B] - для одного или двух инструментов.
[B]Трио[/B] - для трех инструментов
[B]Квартет[/B] - для четырех инструментов
[B]Квинтет[/B] - для пяти инструментов
и т.д.
[B]Симфония[/B] - для симфонического оркестра
[B]Концерт[/B] - для оркестра и солирующего инструмента (или группы инструментов).

Пример структуры классической симфонии:

1-я часть — в быстром темпе, иногда предваряется небольшим медленным вступлением; пишется в сонатной форме;
2-я часть — в медленном темпе, в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, реже в сонатной форме;
3-я часть — пишется обычно тернарной форме, менуэт или скерцо;
4-я часть — в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты

Пример классической симфонии: https://www.youtube.com/watch?v=2HbMzu1aQW8

Эта схема сложилась в результате долгого "естественного отбора" и имеет глубокий смысл и внутреннюю целостность, помимо очевидной симметрии "быстрых" и "медленных" частей. Структура симфонии постепенно менялась, отражая изменения в обществе. Например, в эпоху романтизма менуэт 3 части, ассоциировавшийся с придворной эпохой, был вытеснен скерцо - шутливым произведением. Впоследствии скерцо приобрело минорный оттенок.

Одним из исследователей, изучавшим внутреннюю логику строения симфонии, был М.Г. Арановский. Он рассматривал симфонии отечественных композиторов, написанные в 1960-1975 годах. В это время симфония переживала кризис, казалось что история жанра подходит к концу. Задачей исследования было найти выход из кризиса, выявив глубинную структуру симфонии, сохраняющуюся несмотря на внешние изменения. Арановский выявил в качестве такой глубинной структуры концепцию человека, отражаемую в симфонии:

1 часть - [B]Homo agens[/B] (человек [I]действующий[/I])
2 часть - [B]Homo meditans[/B] (человек [I]мыслящий[/I])
3 часть - [B]Homo ludens[/B] (человек [I]играющий[/I])
4 часть - [B]Homo communis[/B] (человек [I]общественный[/I])

В работе "Симфонические искания" Арановский рассматривает огромное количество симфоний, показывая различные варианты воплощения этого инварианта.

Облик симфонии менялся в разные исторические эпохи, сохраняя эту внутреннюю логику. Раннеклассическая симфония, согласно Арановскому, отражала утопическую веру в гармоничность Человека, в его единство со Вселенной. Романтические симфонии представляли собой полемику с этой утопией. Наконец, в музыке XX века, в творчестве Шостаковича, симфония дошла до конечной точки своего развития и превратилась в свою противоположность - антиутопию.

[I]"Как бы то ни было, но блистательная история жанра симфонии, подарившей миру великое множество истинно художественных откровений, завершилась на наших глазах. Симфония родилась с ясным и чистым взглядом на Мир, а уходила, исполненная горечи и разочарований. Этой эволюцией от веры в красоту Мира к скепсису ее история похожа на жизненный цикл Человека, исследованием которого она занималась почти два с половиной века."[/I]  Арановский М.Г., "Симфония и время"

Упомянув здесь эту интереснейшую концепцию, не возьмем, однако, на себя смелость хоронить симфонию.

[B]Опера[/B]

Структура оперы может быть самой разной. Как правило, опера делится на [I]акты[/I] (обычно 1-5) и может включать следующие элементы:

[B]Инструментальные вступления[/B]: [I]увертюра[/I] и [I]антракты[/I]
[B]Сольные номера[/B]: [I]арии[/I] и [I]речитативы[/I]. Ария более мелодична и как правило отражает размышления героя. Во время ее исполнения сценическое время как бы останавливается. Речитатив, наоборот, как правило происходит "в реальном времени" и отражает действия героев.
[B]Ансамбли[/B] (трио, квартеты, квинтеты и т.д.)
[B]Хоры[/B]
[B]Танцевальные номера[/B]

Иногда опера не поддается делению на части и представляет собой непрерывный поток музыки, как например в случае опер Монтеверди и Вагнера.

Мы провели обзор основных музыкальных форм между главами, посвященными классицизму и романтизму, потому что в эпоху классицизма музыкальные формы приобрели наиболее чистый и законченный вид. В эпоху романтизма они начали размываться и использоваться более вольно; популярность приобрели так называемые формы сквозного развития - [B]этюды[/B], [B]фантазии[/B] и т.д. - которые отличаются формальной свободой не поддаются делению на части.

Музыкальная форма не является жесткой схемой, в которую композитор обязан уложить свое произведение. Это набор правил, основанных на законах слухового восприятия, следуя которому он может более успешно донести свою мысль. В зависимости от того, что это за мысль, какую тему использует композитор, он может использовать ту или иную форму.